Programas
Los programas de Il Gentil Lauro toman como punto de partida las nuevas interpretaciones que la Historia Cultural propone sobre el Renacimiento. En un sentido amplio, la producción cultural se enfoca desde una perspectiva interdisciplinaria que no puede dejar de lado los aspectos que la generan ni los espacios políticos, sociales y económicos en que está inmersa, como tampoco la compleja visión de mundo de sus beneficiarios. Lo que hoy conocemos como Renacimiento es un comportamiento del hombre italiano por recuperar la forma clásica que arranca en el siglo XIV, se difunde por Europa y florece en el XVI y, en mayor o menor medida, no desaparece del todo en el transcurso de los siglos.
Il Gentil Lauro pone a disposición de particulares, ayuntamientos, diputaciones, fundaciones, etc., su experiencia en la elaboración de programas específicos adecuados a sus necesidades.
Solemne Acto de Apertura de Curso Universitario
Con motivo del VIII centenario de la fundación del Estudio General de Palencia, la Universidad de Valladolid, heredera de dicha institución, celebró el acto de apertura del curso académico de las universidades de Castilla y León 2012–2013 en la catedral de Palencia el 20 de septiembre de 2012.
Para dar mayor lustre al acto, el Mº Rinaldo Valldeperas, como director de Il Gentil Lauro, entonces compañía residente de la Universidad de Valladolid, propuso rescatar el protocolo universitario hispánico de los siglos XVI y XVII relativo al empleo de la música de ministriles y trompetas en los paseos o procesiones académicas.
Con el apoyo de la profesora Cecilia Nocilli, el Aula de Música y el Vicerrectorado del Campus de Palencia de la Universidad de Valladolid, se presentó un proyecto a la Secretaría General de la institución que fue acogido con mucho interés, aprobado con entusiasmo y puesto en acto con gran éxito en dicha ocasión. Desde entonces, el paseíllo del Solemne Acto de Apertura de Curso de la Universidad de Valladolid se realiza con la música de los ministriles, trompetas y atabales de Il Gentil Lauro.
Sobre la base de la experiencia de estos años en Valladolid y tras haber constatado que la procesión cívico-académica del Acto de Apertura de Curso de la Universidad de Granada se desarrollaba en silencio, Cecilia Nocilli, profesora contratada doctora del Departamento de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Granada e impulsora de esta iniciativa, propuso recuperar también en esta casa el protocolo renacentista de la solemne procesión académica con el empleo de la música de ministriles, trompetas y atabales. En lo específico, cabe recordar que si bien esta era una práctica habitual en España, ya las “Constitutiones” de la Universidad de Granada de 1542 mencionan el empleo de ministriles en las fiestas y en los grados de la institución.
Como en toda entrada real o religiosa de la ciudad renacentista, la procesión, paseo o paseíllo académico debería ir siempre acompañado de una música adecuada. No obstante, es oportuno señalar al respecto que, con el paso del tiempo, los conjuntos de ministriles (chirimías y sacabuches) y los de trompetas y atabales se convierten en las actuales bandas militares y civiles,
razón por la cual cada época empleará su propia plantilla musical. Por esta razón, a partir del año académico 2020-2021 Il Gentil Lauro plantea también la posibilidad de acompañar la procesión académica con una reducida banda romántica –inédita e inaudita– de instrumentos originales del siglo XIX: octeto clásico de viento-madera, figle y música turca (chinesco, platillos, triángulo, redoblante y bombo). El empleo de este conjunto instrumental representaría una primicia mundial para la Universidad de Granada.
La recuperación y la reimplantación de este protocolo da mucho realce al acto al tratarse de un patrimonio institucional olvidado que la compañía Il Gentil Lauro vuelve a poner al servicio de la Universidad de Granada, como ya ha venido haciendo en la Universidad de Valladolid desde el año 2012.
Otros programas
«Auto de la Pasión» de Alonso del Campo (ca. 1499)
El Auto de la Pasión de Alonso del Campo es una recreación escénica de algunos episodios evangélicos de la pasión de Cristo: La oración en el huerto, la traición de Judas y el prendimiento del Maestro, las negaciones de Pedro, la sentencia de Pilatos y el encuentro de San Juan y la Virgen. Con esas escenas alternan tres plantos a cargo de San Pedro, San Juan y la Virgen.
Il Gentil Lauro propone una puesta en escena minimalista e innovadora que resalta la fuerza del texto antiguo por medio de una interpretación actoral contemporánea y un tejido dramático enriquecido por música y canto «no aparente» de Francisco Guerrero, Mateo Flecha, Juan de Anchieta, Tomás Luis de Victoria, Giaches de Wert, Samuel Scheidt y anónimos españoles e italianos.
Co-producción con TeatroDRAN.
Hacia 1455: La música y la danza en torno a Domenico da Piacenza
La codificación coreica europea se inicia en el siglo XV cuando la expresión libre y extemporánea del danzar medieval deja lugar a una concepción humanista y neoplatónica de la danza como «manifestación demostrativa de los movimientos del espíritu» en concordancia con la armonía de la música y del cosmos. La teoría y las enseñanzas de Domenico da Piacenza (ca.1390/1400 – ca.1470/76) constituyen la base del danzar a la italiana célebre también en el resto de Europa.
Con su tratado De arte saltandi et choreas ducendi (ca. 1450–55), Domenico deseaba elevar la danza de arte mecánica a arte liberal como la música. La teoría del tratado pretende demostrar que la danza es una virtud y, como tal, debe ser considerada al mismo nivel de la música. Este programa ofrece una visión que pretende unificar las disciplinas de la música y la danza dentro del contexto en el que vivió y produjo sus creaciones Domenico da Piacenza.
La música en las cortes italianas del Renacimiento
La corte italiana del siglo XV es el crisol perfecto en donde se plasma la belleza de la forma en sus perfectas proporciones y en donde florece la cultura del Humanismo. A través de la musica del programa desfilan mecenas, políticos, filósofos, humanistas, poetas y cardenales de las refinadas cortes de Ferrara, Florencia, Mantua, Milán y Nápoles. Las delicadas obras vocales e instrumentales de compositores como Du Fay, Busnois, Isaac, Tromboncino, Cara se interpretan con los intrumentos preferidos de la época como el clavecín, las vihuelas de arco, las flautas, el arpa y el organillo.
Gorgueras y verdugados: la moda y la danza en la sociedad de corte del siglo XVI
Desde siempre, la moda, las buenas maneras y la danza han sido complementarias entre sí, como lo demuestra el repertorio coreico de los siglos XVI y XVII. En este período, la moda de la monarquía española adquiere supremacía sobre la mayor parte de Europa, imponiendo su gusto y sus normas en la indumentaria y en la vida social.
El rostro y las manos de la mujer son las únicas partes del cuerpo -envuelto en rígidos y pesados vestidos- que se dejan al descubierto. El traje masculino debía resaltar las dotes del caballero y del hombre de armas del Renacimeinto, mostrando las piernas como símbolo de virilidad.
Annus Nefastus 1506
Cuando Felipe I de Castilla, «El Hermoso», desembarca en La Coruña en abril de 1506 junto con su mujer la reina Juana para reclamar a Castilla, recibe una carta de Cristóbal Colón quien exigía que se cumplieran las capitulaciones de Santa Fe. No llegan a encontrarse: el Almirante fallece en Valladolid el 20 de mayo, el Archiduque llega a nuestra ciudad el 10 de julio.
En el séquito de Felipe se encuentra el belga Alexander Agricola –su cantor y compositor preferido–. El músico cuenta ya sesenta años y el viaje desde la Coruña lo ha debilitado sobremanera. En toda Castilla hay brotes continuos de peste, Agricola se contagia probablemente y muere en el campo vallisoletano el 16 de agosto. El Archiduque debe viajar a Burgos en donde fallece el 25 de setiembre. Muestra los mismos síntomas de Alexander Agricola: ¿Envenenamiento o peste?
La conjunción de estas tres muertes insignes es lo que articula este programa que ofrece una variada muestra de la música, la danza y el canto que los tres personajes disfrutaron en su peregrinar por distintos países y cortes europeas de finales del siglo XV. La representación es una refinada velada cortesana de la nobleza castellana del siglo XV reconstruida a la luz de las más recientes investigaciones e interpretaciones sobre el Renacimiento. Incluye danza, música, canto, vestuario y utillaje de la época e instrumentos musicales réplicas de originales.
«… et dançaron a la española»: Juana I de Castilla y la creación de un estilo
La afición de la reina Juana I de Castilla por la música y la danza le fue inculcada por su madre Isabel I desde muy temprana edad. Las crónicas que nos transmiten los acontecimientos más importantes de la vida pública y privada de Juana frecuentemente mencionan los momentos en que la soberana se deleitaba con la música y la danza.
En 1506 Juana vuelve a España tras haber pasado diez años de su vida en tierras flamencas. Allí habría llevado consigo un modo particular de danzar, aprendido en Castilla y difundido por los Países Bajos, al que las crónicas se refieren como «a la española». La situación política y emocional en que por esos días se ve involucrada la reina no le permite ya poder practicar la danza y su única distracción será la música de su Capilla personal.
Amor y diversión en la música europea del Renacimiento
Fa mi la mi sol la es, ciertamente, una secuencia de notas naturales que, sin embargo, en ningún momento aparece en la villanella Vorria che tu cantass’una canzon, de Antonio Scandello. No obstante, un napolitano de la época habría reconocido dialectalmente el doble sentido de la frase fammel’a mi sola, es decir, házmelo a mí sola. Por otra parte, el texto -que algunos atribuyen a Alfonso d’Ávalos- del famoso madrigal de Jacques Arcadelt Il bianco e dolce cigno, en realidad lucha entre Eros y Thanatos al aludir al clímax amoroso y no a la muerte heroica del protagonista.
En este clásico escorzo musical renacentista del amor y la diversión no faltan ni la itálica gallina de Fabrianese ni el anónimo gallo ibérico palaciego con contorno de ingrata traición en un lecho de añejados sones.
La Terrible
Paradigma de personalidad profunda y compleja situada en el vórtice de amargas intrigas, el desentendimiento de Juana I de Castilla de los asuntos políticos a que obligaba su condición de reina precipitó su defenestración. Il Gentil Lauro realiza un acercamiento, forzosamente subjetivo, al lado más humano de una Juana más «terrible» que «loca». Terrible -en un sentido clásico- por su belleza, su gracia, su apasionamiento. Terrible por su involuntaria amenaza para quienes se beneficiaron de ella. Terrible por la melancolía de su trágica presencia que sirve como fondo para realizar un sombrío recorrido por los pliegues silenciados de su personalidad.
Las obras de Anchieta, Pierre de la Rue, Agricola, Domenico da Piacenza, Hofhaymer, Senfl y del manuscrito de Cervera (una de las cuales da nombre al programa), así como la «Momería consertada de seys», de Francesc Moner, acompañan el postrero repaso de la existencia de la reina.
La Corte del bufón de la reina
Este programa es una refinada puesta en escena de la nobleza del siglo XV a la luz de las más recientes investigaciones e interpretacioens sobre el Renacimiento, centrada en la afición de la reina Isabel I de Castilla (1451-1504) a la danza y la música. Se articula en varios cuadros en los que se ilustran momentos destacados de su vida sin caer en la banalidad y colorido folclorista ni en el tedio histórico. La representación incluye danza, música, canto, los momos encargados por la reina a Gómez Manrique para homenajear a Alfonso (Arévalo, 1467), vestuario y utillaje de la época, así como ministriles de música alta y baja. Todo ello conducido por un histrión que involucra al público cn su discurrir en castellano del siglo XV.
Guión, adaptación y puesta en escena: Juan Carlos Ruiz y Rinaldo Valldeperas (Copyright: Valladolid, 2004).
El Banquete del Lauro (no disponible)
Para aquellos que entienden la cocina como una experiencia que, más allá de lo puramente sensorial, involucra aspectos complejos, acaso rituales, de nuestra dimensión social e incluso espiritual, la experiencia gastronómica del Renacimiento supone una cumbre sin parangón. Cuando los viajeros franceses y españoles llegaron a la Florencia de Lorenzo El Magnífico, fueron deslumbrados por la elegancia y el refinamiento de los usos y costumbres en torno a la mesa de su corte. La tosca desmesura medieval había sido sustituida por la misma exquisita sensibilidad que inspiraba a arquitectos, escultores y pintores en un alarde de creatividad inigualada.
Il Gentil Lauro no recrea, de manera superficial y folclorista, otras épocas o ambientes. En nuestras propuestas, sustentadas en largos años de estudios y experimentación, ofrecemos una evocación sutil desde una perspectiva sensible y contemporánea. Una puesta en escena en clave deconstructiva, la minimalista y actual re-interpretación de las recetas de los grandes maestros que cocinaron para Papas, reyes y grandes señores, y la delicadeza de las danzas cortesanas coreografiadas como nunca antes, se conjugan para ofrecer al viajero postmoderno una vivencia que permanecerá en la memoria.
La alta gastronomía, como compañera de viaje del arte, supera así sus propios límites y participa de un nuevo código donde cada sabor complementa la pieza musical o de danza a la que antecede, formando parte de un mosaico de sugerencias y contrastes.
El Banquete del Lauro es el resultado de la innovadora fusión entre la experiencia sensorial y emocional con la que Il Gentil Lauro propicia un vislumbre fugaz y revelador, dentro de un espacio de tiempo suspendido.
Cuerpo, alma, espíritu
En el grabado de Lucas Van Leyden (1494 – 1533) conocido como «Los placeres de este mundo y María Magdalena o El baile de Santa María Magdalena» se representan tres planos de proyección que delinean tres momentos de la vida de la Magdalena: el baile, la caza del ciervo y la ascensión al cielo.
La tridimensionalidad de la obra de Van Leyden está en fuerte relación con la visión neoplatónica del Renacimiento, es decir, con el nexo del hombre y de la mujer con el cosmos, la naturaleza y Dios. Con distintas palabras, pero no alejadas de esta visión renacentista, el padre de la danza moderna, François Delsarte (1811-1871) creó su visionario método pedagógico para el artista basado en la unión de la vida, el ánima y el espíritu. Según la topografía del cuerpo de su Estética Aplicada, las extremidades representan las sensaciones vitales, el tronco el ánima, los sentimientos y la expresión de nuestra personalidad, y por último, la cabeza el espíritu, que expresa nuestro pensamiento y nuestra relación con Dios o lo trascendente. La tricotomía definida por Delsarte nos conduce a la tridimensionalidad del grabado de Van Leyden y esta lectura es una fuente de inspiración para el diálogo entre lo antiguo y lo contemporáneo, no tanto para reconstruir el pasado o señalar el sentido de la tradición, cuanto para disolver los modelos ‘institucionales’ de la interpretación.
XPOSED. Una exposición en movimiento (no disponible)
El tiempo no existe: su concepción como una sucesión lineal, unidireccional de acontecimientos no puede ser ya válida en un mundo de vasta y creciente complejidad. Todos los tiempos -pasado, presente y futuro- coexisten en un único espacio dentro un entramado de realidades paralelas de las que nuestra limitada percepción obtiene apenas un vislumbre. El arte representa el espejo donde la humanidad contempla el reflejo de su situación y de sus aspiraciones, la puerta a través de la cual es posible el acceso a dimensiones intangibles de nuestra realidad y la especulación, acaso, sobre las razones de nuestra existencia.
La compañía Il GentilLauro, con una larga trayectoria en la investigación y puesta en escena del repertorio coreico y musical de los siglos XV y XVI, plantea en este proyecto una ruptura con su experiencia en las artes escénicas para poder ubicarse dentro de los espacios reservados a las manifestaciones más vanguardistas, propiciando así un renovador diálogo con las mismas.
XPOSED ha de ser contemplado más como una particular forma de exposición en movimiento que como una actuación musical o teatral al uso. A partir de la confrontación entre dos obras pictóricas de diferentes épocas, Il GentilLauro subvierte los conceptos convencionales de estructura temporal y argumental y la relación intérprete-espectador, para explorar un nuevo lenguaje en el que danza y música interactúan con las artes plásticas en busca de una nueva percepción del sentido de la trascendencia en el arte.
Esta tríplice percepción de un grabado flamenco de 1519 se puede ‘aplicar’ también a la danza del Quattrocento y del Cinquecento. Hasta ahora, la danza antigua ha sido propuesta al público siguiendo las metodologías de la hermenéutica y de la reconstrucción. Para poner en contacto la tricotomía corporal delsartiana de vida, ánima y espíritu con la visión neoplatónica de la danza cuatrocentista se hace necesario incorporar una tercera propuesta interpretativa, como es la deconstrucción, o mejor aún, la fragmentación de la textura coreica original. Dentro de esta exposición en movimiento que confronta lo antiguo y lo contemporáneo, proponemos tres percepciones desiguales de la bassadanza Corona de Domenico da Piacenza (ca.1400 – ca.1476), creador de un estilo nuevo y codificador de la danza italiana del siglo XV. En particular, Corona representa la ‘coronación’ o el vértice de las capacidades coreicas y coréuticas de un bailarín del Quattrocento. En palabras de Antonio Cornazano (ca. 1435 – ca. 1485) «[Corona] es una bajadanza muy difícil, no apta para incapaces, sino propia corona de las demás, como su nombre indica». Para recuperar el espíritu original de la danza del siglo XV no es suficiente reconstruir, sino también deconstruir y aceptar otras lecturas. La fragmentación coreográfica es el primer estadio de una deconstrucción, o bien, la «huella de una ausencia» entendida como distanciamiento de lo obvio, ‘verdadero’ y reconocible.
Como un neo Domenico, o mejor, un posmoderno Domenico da Piacenza con la aspiración de elevar su disciplina a arte liberal, hemos querido recolocar la danza del Quattrocento dentro de una tríplice manifestación según la concepción delsartiana de vida, ánima y espíritu. Domenico es, en realidad, el primer deconstructor de la historia de la danza al haber deconstruido el repertorio coreico coevo; aunque es un hombre ligado aún al Medioevo, su producción nace como separación, como disolución de los elementos antiguos para crear un repertorio nuevo dentro de un estilo nuevo y elevado.
El vínculo entre el neoplatonismo coreico del siglo XV y la tricotomía delsartiana está en la técnica compositiva conocida como tintinnabuli, es decir, «pequeñas campanas» de Arvo Pärt (Estonia, 1935). La música de Arvo Pärt emerge tras un período de silencio que el compositor dedicó al estudio apasionado de la música vocal francesa y franco-flamenca de los siglos XIV y XV, especialmente de Machaut, Ockeghem, Obrecht y Josquin des Prez:
La «tintinnabulación» es un área en la que, a veces, deambulo cuando me encuentro a la búsqueda de respuestas en mi vida, en mi música, en mi trabajo. […] Lo complejo y lo polifacético sólo me confunde y debo perseguir la unidad. […] He descubierto que es suficiente una única nota tocada con gran belleza. Esta sola nota, pulso silencioso o momento de silencio, me conforta. Trabajo con muy pocos elementos, con una o dos voces. Construyo con los materiales más primitivos, como la triada o una específica tonalidad. Las tres notas de la triada son como campanas, por eso la llamo «tintinnabulación».
(R. E. Rodda, Arvo Pärt Fratres, I Fiamminghi, The Orchestra of Flanders, Rudolf Werthen, Telarc CD-0387)
La deambulación existencial de Arvo Pärt en Spiegel im Spiegel recuerda el dibujo coreográfico de la danza del Quattrocento que, con su fuerte poder esotérico, podía influir tanto en los intérpretes cuanto en los espectadores. Músicos y coreutas recibían «aliento» de la danza armonizando los cuatro elementos -agua, tierra, fuego y aire- generando una fuerza y una energía fuertemente percibida a su alrededor.
C. Nocilli
Didáctica
Jornadas de danza, siglos XV-XVII
Las Jornadas de danza organizadas anualmente desde 1999 por el Aula de Música de la Universidad de Valladolid tienen como objetivo el estudio teórico y práctico, a partir de sus fuentes, de las danzas italiana y española de los siglos XV, XVI y XVII.
Los cursos cuentan con el acompañamiento musical en directo dirigido por Rinaldo Valldeperas. El objetivo es afrontar directamente problemas en la interrelación música-danza y analizar diversos aspectos tanto musicales como organológicos en la conformación de los distintos conjuntos instrumentales.
Enfocadas desde tópicos diversos, las monografías desarrolladas en los últimos años han sido las siguientes:
- 2012. «Danza y música en las farsas de Iacopo Sannazaro (1492)».
Durante el siglo XV se asiste al «renacer» o descubrimiento del teatro antiguo por parte de la cultura humanista, que aspiraba poder conjugar las nuevas experimentaciones espectaculares con las reglas de la retórica, la gestualidad y la dicción de la cultura clásica.
- 2011. «El villano en el teatro español del siglo XVII».
En los siglos XVI y XVII la danza estaba considerada como un instrumento retórico a la par de la palabra que, como tal, podía fascinar, persuadir y seducir. Especialmente en España, las danzas de género tuvieron mucho éxito y fueron llevadas a dificultades extremas.
- 2010. «Danzare per fantasmata».
Los pasos accidentali y sus variaciones formaban parte de las habilidades de los bailarines del Quattrocento. El «danzare per fantasmata» se cuenta entre las sottilezze del movimiento corporal más apreciadas del siglo XV y, sin duda, posee una validez teatral en la bassadanza italiana del periodo.
- 2009. «El canario, la volta y la folía».
En los siglos XVI y XVII la danza se consideraba como un instrumento retórico a la par de la palabra que, como tal, podía fascinar, persuadir y seducir. En particular, las danzas de género fueron particularmente apreciadas por las cortes europeas por su carácter virtuosístico y exótico.
- 2008. «Los momos en la España del siglo XV».
En esta ocasión se afrontó la reconstrucción de la Momería consertada de seys de Francesc Moner (1463-1492) con todo el aparato coreico, musical y escenográfico que ornamentaba el evento teatral.
- 2007. «Danza teatral en la época de «L’Orfeo», de Monteverdi».
Con motivo del cuarto centenario de la creación y puesta en escena de «L’Orfeo» de Claudio Monteverdi (Mantua, 1607), esta edición afrontó la danza teatral y parateatral presente en las fuentes coréicas italianas del Cinquecento en relación con las ideas estéticas de los intermedi.
Contacto
Cecilia Nocilli
dirección coreica
cnocilli@ilgentillauro.com
Rinaldo Valldeperas
dirección musical